INVASIÓN MANGA TRAS MEDIO SIGLO DE FESTIVAL DE ANGULEMA
LILIAN FRAYSSE

INVASIÓN MANGA TRAS MEDIO SIGLO DE FESTIVAL DE ANGULEMA

Crónica del 50º Festival Internacional del cómic de Angulema

El principal festival del cómic europeo cumplía este año su quincuagésimo aniversario, y un nutrido equipo de miembros de Tebeosfera se desplazó a la capital de la bande dessinée para cubrir el evento.

El público se volcó en la celebración del aniversario del Festival Internacional del cómic de Angoulême. Esta 50ª edición confirmó una vez más la pasión por este arte, así como la curiosidad de los asistentes al festival, que recibieron con entusiasmo la variada y exigente programación propuesta por la dirección artística del Festival.

Como plato fuerte, el evento recibió a cinco mangakas de renombre internacional: Hajime Isayama, Ryōichi Ikegami, Junji Itō, Riichirō Inagaki y Akane Torikai. Además, con tres exposiciones de manga, una completa programación asociada (proyecciones, encuentros, masterclass, firmas) y un nuevo pabellón Manga City, el Festival imaginó con su “Quartier Manga” (Barrio Manga) un espacio dedicado completamente al cómic y las culturas populares asiáticas, para embarcarse en un viaje al Extremo Oriente.

Veamos a continuación lo más desetacado del festival.

EXPOSICIONES

50 ans, 50 regards (50 años, 50 miradas)

Para celebrar su medio siglo de existencia, el Festival Internacional del cómic de Angulema pidió a cincuenta autoras y autores de diversos horizontes que mostrasen —y propusieran— su visión de este evento que reúne a profesionales y amantes del noveno arte. Sus respuestas, en forma de confidencias, homenajes, entusiasmo espontáneo, se exhibieron durante el evento.

Estos artistas, autoras y autores, son nativos de Francia, Italia, España, Reino Unido, Alemania, Croacia, Estonia, Líbano, Israel, Sudáfrica, Argentina, Brasil, México, Estados Unidos y Japón. Algunos tienen menos de veinte años; otros tienen casi ochenta. Desde los que se considera "experimentados", cuya fama les precede, hasta los "emergentes", que acaban de salir de alguna escuela.

Juanjo Guarnido	Andrea Serio
Inio Asano	Camille Jourdy

Todos ellos son dibujantes de cómic, aunque sus prácticas sean diferentes y, para muchos, incomparables. Y todos tienen en común el Festival de Angulema, ya sea porque han asistido, porque han sido premiados o simplemente porque han contribuido a su prestigio.

Shinichi Ishizuka	Naoki Urazawa
Sansuke Yamada	Makoto Yukimura

L’Attaque des Titans, de l’ombre à la lumière (Ataque a los Titanes, de la sombra a la luz)

El Festival desplegó la alfombra roja para Hajime Isayama con una exposición única dedicada a su exitosa serie Ataque a los Titanes.

Hajime Isayama	Entrada a la exposición.

La exposición presentaba más de 150 originales que abarcan toda la serie del manga, en el marco del décimo aniversario de su publicación en Francia.

Exploración gráfica y temática a la medida de esta obra titánica, la escenografía buscaba ser espectacular, para ofrecer al visitante una experiencia de inmersión única en el corazón de uno de los universos más estimulantes de la cultura popular contemporánea.

Con sus decorados de inspiración medieval desgarrados por colosos antropófagos, sus escenas de acción aéreas con acentos steampunk y sus coreografías marciales inspiradas en las técnicas de las artes marciales mixtas, Hajime Isayama fusiona universos y géneros. Convoca tanto al panteón mitológico como a las imágenes fantásticas (dark fantasy, películas de zombis, monstruos gigantes, etc.) y hace resonar la historia contemporánea. En el cruce de referencias e influencias heterogéneas, el autor teje un drama universal y violento que interpela al hombre sobre su capacidad para aprender de sus errores.

Ryōichi Ikegami, à corps perdus (Ryōichi Ikegami, en cuerpo y alma)

El Festival de Angoulême dedicó una amplia exposición al mangaka reconocido internacionalmente Ryōichi Ikegami. Aún en activo a sus casi 80 años, laureado hace veinte con el prestigioso premio Shōgakukan, se caracteriza por su voluntad casi exclusiva de poner su dibujo al servicio de guiones escritos por otros.

Ryōichi Ikegami y uno de sus originales, de la serie Crying freeman.

Nacido en 1944, Ryōichi Ikegami dibuja sus primeros mangas a los 17 años y se gana la vida inicialmente como pintor de letreros publicitarios. Sus viñetas, publicadas en la revista mensual Garo, llaman la atención de Shigeru Mizuki, quien le propone convertirse en su asistente. Así tiene la oportunidad de conocer en Tokio a Yoshiharu Tsuge, a quien admira. Muy rápidamente, se vuelve evidente para Ikegami que su práctica se limitará únicamente al dibujo y que será, ante todo, un "artesano del manga".

Se rodea de guionistas como Kazuo Koike y Buronson para perfeccionar su trazo y satisfacer su ardor creativo. Cómodo en el contorno de cuerpos esculturales, también alimenta una fascinación por la figura del monstruo y no limita ninguna forma de violencia, ya sea física o psicológica.

Occidente reconoce la contribución de Ryōichi Ikegami a la introducción del manga en sus territorios: desde 1987, su serie Mai, the Psychic Girl (Mai, la chica con poderes) fue una de las primeras en ser traducida al inglés, mientras que en 1994, el seinen Crying Freeman comenzó a ser publicado en Francia. Sin embargo, la exposición que le dedica el festival no se limita a esas conocidas obras, sino que tiene como objetivo descubrir o redescubrir una obra densa con un estilo inmediatamente reconocible. A través de una selección de más de 200 páginas originales, incluyendo unas treinta en color, la exposición ofrece una inmersión en la virtuosidad gráfica de Ikegami.

El primer enfoque de esta retrospectiva revela su agudo sentido de la composición, desde sus primeras publicaciones alternativas hasta sus series más recientes. Un segundo enfoque presenta sus colaboraciones más destacadas (con Sho Fumimura en Sanctuary (Santuario), con Buronson en Strain o Heat; con Kazuo Koike en, entre otros, Crying Freeman; con Tetsu Kariya en Otoko gumi y con Riichiro Inagaki en el reciente Trillion Game), ejemplos todas ellas de una obra absolutamente única, arraigada en el manga para adultos.

Junji Itō, dans l’antre du délire (Junji Itō, en la guarida de la locura)

Al dedicar por primera vez una exposición a Junji Itō, el Festival de Angoulême proponía adentrarse en la obra del mangaka que algunos consideran uno de los grandes maestros del horror en Japón, digno heredero de Shigeru Mizuki y del padre fundador del género, Kazuo Umezu.

Nacido en 1963, Junji Itō se dio a conocer a finales de los años ochenta al publicar sus primeras historias en la revista mensual de horror shōjo Gekkan Halloween. Para este protésico dental en plena reconversión artística, todo está en su sitio: los personajes de sus historias cortas, adolescentes con rostros angelicales, se mueven por las calles de su vecindario, su hogar familiar y su escuela secundaria, donde son presa de diversas formas de alienación y acoso físico y moral.

Junji Itō alcanza la notoriedad con obras como Spirale y Gyo, galardonadas y reveladoras de la evolución de su arte, desde la representación del horror doméstico basado en leyendas urbanas hasta relatos que retoman los códigos de la ciencia ficción. Su icónico personaje Tomie, bella adolescente desmembrada, pero que renace constantemente, representa implacablemente la alianza entre el terror y la belleza.

Inmersiva, en una atmósfera que recuerda a las casas embrujadas de las ferias japonesas, la exposición presentaba en cuatro actos el pequeño teatro del horror de Junji Itō.

La primera parte despierta así a los monstruos que recorren su obra y que envuelven a las familias en una sucesión de situaciones claustrofóbicas, en las cuales el visitante se adentra después, llevado a moverse entre leyendas urbanas y folklóricas, demonios contemporáneos y ancestrales.

Otros apartados estaban dedicados por completo a las obras maestras del mangaka, desde la locura orgánica y cósmica que conduce a la perversión de los seres y elementos perceptibles en Spirale, Rémina y Gyo, hasta el templo de Tomie, la adolescente fatal con múltiples reencarnaciones.

Les 6 voyages de Philippe Druillet (los 6 viajes de Philippe Druillet)

Treintaicinco años después de haberlo coronado con su Gran Premio, el Festival de Angulema aprovechó su 50ª edición para homenajear a Philippe Druillet y su obra. La exposición, ubicada en el museo de la ciudad y en la capilla del liceo Guez de Balzac contigua, ofrecía, en seis viajes, varias vías de acceso a los mundos colosales y abisales de este gigante del noveno arte.

Para Philippe Druillet, la imagen ha sido siempre una cuestión primordial: de niño, se enamoró del dibujo; a los 16 años, se convirtió en fotógrafo; a los 19 años, conoció al ilustrador y crítico de cine Jean Boullet; a los 21, se enamoró de Nicole, su futura esposa, que aparecerá en muchas etapas de su obra. Creó a Lone Sloane y publicó sus primeras aventuras en 1966, pero sin ceñirse solo a los cómics, amplió su expresión artística convirtiéndose en actor, ilustrador de novelas de fantasía y ciencia ficción, creador de carteles, desarrollador de proyectos cinematográficos, diseñador y arquitecto.

Con su título tomado de su icónico álbum Les 6 voyages de Lone Sloane (1972) (Los 6 viajes de Lone Sloane), la exposición explora seis facetas que han definido la naturaleza única e híbrida de su sublime imaginario, a veces caótico y en otras ocasiones paroxístico. Seis viajes para una epopeya estética. Seis viajes que, en última instancia, forman uno solo, el de Philippe Druillet, uno de los más grandes artistas visuales de su tiempo.

El primer viaje, dedicado a la arquitectura, repasa la vida de Druillet, desde su infancia marcada por Gaudí dejando una huella muy marcada en su obra en papel. Las influencias literarias constituyen el segundo y tercer viaje, abordando algunas de las figuras fundamentales en la construcción de sus propios mundos, como Lovecraft y Moorcock.

Luego, el siguiente viaje, el cuarto, propone una incursión en el séptimo arte, desde el Druillet cinéfilo hasta la faceta de Druillet como colaborador versátil de cineastas.

Finalmente, los dos últimos viajes se adentran en lo espiritual para luego regresar a lo íntimo con una proyección animada de viñetas de álbumes en la capilla del Liceo Guez de Balzac, que se transformaba en un monumental escenario de una obra mística, abriendo paso a un apocalipsis que siempre es, en la obra de Philippe Druillet, el signo de una revelación.

Espectáculo de luz y sonido en la capilla del Liceo Guez de Balzac.

Julie Doucet, toujours de grande classe! ("Julie Doucet, ¡siempre con estilo!")

En el hotel Saint-Simon de Angulema se presentó una exposición retrospectiva dedicada a esta autora canadiense que logró alzarse el año pasado con el Gran Premio de Angulema a pesar de ser una desconocida para el gran público.

Entrada a la exposición.	Julie Doucet.

La muestra permitió conocer en toda su extensión la vida y obra de esta autora, fundamentalmente conocida por sus historietas autobiográficas feministas crudas y atrevidas, como las de su primera publicación autoeditada Dirty Plotte (1988-1989), cabecera retomada posteriormente por Drawn and Quaterly entre 1991 y 1998, donde apareció su obra más conocida, recopilada posteriormente como Diario de Nueva York (1999). 

Su carrera como historietista culminó en cierta forma con El caso Madame Paul (2000), obra que marcaría su distanciamiento del mundo del cómic, dedicándose en lo sucesivo fundamentalmente a la ilustración, el grabado, el collage y la poesía, disciplinas que la exposición permite también descubrir.

Elle résiste, elles résistent (Ella resiste, ellas resisten)

En 2022, el Premio René Goscinny al mejor guión fue otorgado a Jean-David Morvan y Madeleine Riffaud por Madeleine, Résistante: la rose dégoupillée, primer tomo de una serie ilustrada por Dominique Bertail. La exposición que se enmarcaba en este premio revisaba la génesis del álbum y presentaba la trayectoria y compromisos de Madeleine Riffaud y otras figuras de la resistencia.

En 2017, el guionista Jean-David Morvan decidió contactar a Madeleine Riffaud para proponerle contar su vida en forma de cómic. Había escuchado sus confesiones en una entrevista con Pierre Hurel (Résistantes, 2015). La había escuchado contar cómo una humillante "patada en el culo" de un soldado alemán, en 1940, iba a "decidir su vida entera": Madeleine entraría y lucharía en la resistencia.

De regreso a París en 1940, Madeleine Riffaud se involucra en la red del Frente Nacional de los Estudiantes y asume grandes responsabilidades. A los 19 años, obedeciendo órdenes, mata a un oficial alemán, es arrestada y torturada por la Gestapo. Posteriormente liberada, lleva a cabo varias misiones exitosas.

Gracias a Paul Éluard, Riffaud publica una colección de poesía, Le Poing fermé, después de la guerra, y luego conoce a Louis Aragon, quien la contrata para el periódico Le Soir. Se convierte entonces en una de las más grandes corresponsales de guerra francesas, cubriendo los conflictos en Argelia, Congo, Vietnam, y luchando en favor de los pueblos oprimidos.

No fue hasta la celebración de los cincuenta años de la Liberación en 1994 cuando Madeleine Riffaud hizo público su compromiso en la Resistencia, respondiendo al deseo de Raymond Aubrac de testimoniar lo que fue su compromiso clandestino. El álbum premiado con el premio Goscinny, primer tomo de una serie de tres, destinada a relatar la trayectoria de esta memoria viva y destacada, se inscribe en esta continuidad.

La exposición revela el proceso de creación único que unió y sigue uniendo a Madeleine Riffaud, Jean-David Morvan y el ilustrador Dominique Bertail, en el cual todo pasa necesariamente a través de la voz, ya que Madeleine había perdido la vista. También se mencionaban los momentos de incertidumbre, los posibles malentendidos y las risas que este método de trabajo conlleva. Por último, la exposición rindió homenaje a otras figuras de mujeres resistentes del pasado y del presente.

Marguerite Abouet, la vie comme elle va! (Marguerite Abouet, ¡la vida tal como viene!)

La siguiente exposición nos embarca rumbo a Costa de Marfil en compañía de Marguerite Abouet, sus colaboradores (Clément Oubrerie, Mathieu Sapin, Singeon y Donatien Mary) y sus heroínas y héroes: Aya de Yopougon, Akissi, Bienvenue y el comisario Kouamé.

Marguerite Abouet tenía doce años cuando dejó Abiyán, junto con su hermano, para ir a París. Desde hace quince años dibuja escenas cotidianas de estas dos ciudades, que constituyen telones de fondo increíblemente graciosos, vivos, delirantes y cautivadores, de sus obras, dirigidas a varias generaciones.

Con Aya de Yopougon, Akissi, Commissaire Kouamé y Bienvenue, Marguerite Abouet convoca sus recuerdos o se sumerge en su imaginación para escribir historias dirigidas a un amplio público: adolescentes y adultos fieles desde el principio o lectores novatos.

La exposición permite a los visitantes dejarse guiar por la sabiduría de Aya, cuya agudeza permite abordar temas sociales de todo tipo, desde los más ligeros hasta los más serios (educación, peso de las tradiciones, homosexualidad, matrimonio forzado, sororidad, etc.).

A la vez, los visitantes eran invitados a tomar de la mano a Akissi, quien los llevaba con astucia a los secretos de la creación de una novela gráfica, para entender el trabajo de la guionista Marguerite Abouet y la colaboración con los ilustradores. También era una oportunidad para descubrir la cultura popular y los cuentos tradicionales africanos.

La primera sala recrea el barrio de Yopougon, muy apreciado por la autora, ofreciendo una inmersión en la obra y en la ciudad.

En la siguiente sala, objetos, libros y otros recuerdos de la infancia invitan a un encuentro cara a cara con Marguerite Abouet.

El recorrido continua descubriendo el trabajo de los colaboradores que dan vida a sus escritos (Clément Oubrerie, Mathieu Sapin, Donatien Mary y Singeon), y luego explorando sus diversos compromisos con diversas organizaciones, especialmente de promoción de la lectura.

La exposición finalmente se cierra con invitaciones lúdicas, como proyecciones, juegos, música y propuestas culinarias, ofreciendo así una experiencia interactiva y entretenida para los visitantes.

Couleurs ! (¡Colores!)

La historia de la historieta a color es relativamente "larga" en comparación con la de las historietas en blanco y negro. Se puede pensar en la aparición en Estados Unidos en 1896 del Yellow Kid de Richard F. Outcault en los suplementos dominicales del New York World, lo que contribuyó a una rápida generalización de la cuatricromía. Incluso antes de eso, en 1854, Gustave Doré utilizó el color rojo sangre para manchar dos páginas de su Histoire pittoresque, dramatique et caricaturale de la Sainte Russie (Historia pintoresca, dramática y caricaturesca de la Santa Rusia).

A lo largo de las décadas, el uso de blanco y negro y el uso de color en la historieta han avanzado de manera paralela, cada uno tomando la delantera en diferentes momentos debido a razones prácticas, financieras y estéticas.

Los primeros coloreados, bastante simples, se realizaban mediante apliques de color y, en su mayoría, seguían un estilo naturalista académico. Sin embargo, pronto, y especialmente después de la guerra, el papel del color se amplió: se utilizaba no solo por sus valores locales, sino también metafóricos y psicológicos. La línea entre la función narrativa del dibujo y la del color se volvió más difusa.

Con Arzach de Moebius, el cómic se abrió a los colores directos llevando consigo a autores y autoras como Bilal, Yslaire, Richard Corben, Nicole Claveloux. En la transición de los años ochenta y noventa, la llegada del coloreado digital trajo consigo una serie de pequeñas revoluciones y experimentaciones cromáticas. Sin embargo, al igual que el dibujo y la escritura, el color nace de una intención. Ya sea la de la dibujante o el dibujante que continúa su gesto creativo con el color, o la de una colorista —en su mayoría suelen ser mujeres— que establece un conjunto de elecciones tan determinantes que constituyen un gesto final, propio de una autora o un autor completo.

La exposición “¡Colores!” buscaba así acompañar el reconocimiento de un estatus que durante mucho tiempo ha sido invisible. La exposición proponía en primer lugar un breve recordatorio de las etapas que han marcado la historia del color en el cómic en las esferas franco-belga, estadounidense y asiática, y revisitaba diferentes técnicas (azul de coloreado, Benday, etc.).

Nie Jun	Charles Nogier

Acogiendo decenas de originales y reproducciones de obras de autoras y autores que utilizan diferentes técnicas y herramientas, incluyendo las digitales, el corazón de la exposición permitía a los visitantes deambular en una efervescencia de colores, desde la acuarela de Nie Jun hasta el acrílico de d’Emmanuel Lepage, del marcador de Chloé Wary al lápiz de Léonie Bischoff, del pastel de Carlos Nine a la pintura al óleo de Charles Nogier, pasando por una serie de técnicas mixtas y singulares.

Judith Vanistendael	Emmanuel Lepage

ESPECTÁCULOS

El Festival de Angulema también ofrece habitualmente interesantes espectáculos en torno al cómic. Este año asistimos a un concierto dibujado.

Concert dessiné d’Ana Carla Maza et Aude Picault (concierto dibujado)

Por quinta vez, el Festival Internacional del Cómic de Angulema se asociaba con el Festival Jazz à Vienne para un encuentro entre la música y la ilustración, el jazz y la historieta. Un diálogo entre las artes, para una actuación en vivo excepcional que reunió a la violonchelista y cantante cubana Ana Carla Maza y la autora francesa Aude Picault en el escenario nacional del Teatro de Angulema.

ENCUENTROS Y MASTERCLASS

Un generoso e interesante programa de encuentros con autores y clases maestras volvió a estar en el menú de este 50º festival. Destacamos a continuación el puñado de ellos a los que pudimos asistir.

Un Putain de salopard : rencontre avec les auteurs Régis Loisel et Olivier Pont. (Jodido bastardo: encuentro con los autores)

Un Putain de salopard (Jodido bastardo) es una novela gráfica creada por los autores Régis Loisel y Olivier Pont. La colaboración entre Régis Loisel y Olivier Pont es un ejemplo fascinante de cómo dos autores multifacéticos pueden trabajar juntos para desarrollar una trama rica en matices y llena de sorpresas. La historia es compleja, con muchos giros que mantienen a los lectores en vilo a lo largo de la obra. Los personajes que habitan este mundo ficticio son especialmente memorables, con personalidades y motivaciones muy marcadas que los hacen tridimensionales y convincentes.

Encuentro con Liniers

El gran maestro argentino Liniers contó con mucho humor, en una charla animada por Xavier Guilbert y con la divertida traducción simultánea de Miceal Beausang-O'Griafa, las historias y anécdotas de más de veinte años de tiras diarias, desde Bonjour (1999) a su popular Macanudo (2002), una obra muy personal, en algún lugar entre Mafalda y Peanuts, Calvin & Hobbes y Krazy Kat que tiene fans acérrimos entre la redacción de Tebeosfera.

ESPACIOS

La carpa del Monde des Bulles (Mundo de los globos o bocadillos) fue, como cada año, uno de los lugares más visitados por el público. Tal vez este año 2023, se batió un récord en las filas de espera. Las principales editoriales estaban presentes allí para vender su producción y ofrecer dedicatorias de sus artistas estrella.

La carpa del Nouveau Monde (Nuevo Mundo) reflejó, como de costumbre, una creatividad en plena efervescencia. Tanto la edición independiente como la obra extranjera estaban representadas en toda su variedad.

En el antiguo espacio Para-BD ubicado en la Place des Halles, en pleno corazón de la ciudad, se instaló La Place du 9e Art, (la plaza del 9º arte), un nuevo lugar dedicado por completo a originales de cómics, libros raros y objetos de colección. Diseñada para aficionados y coleccionistas de cómics, reúne en 900 m2 una sala de subastas “A vos enchères”, galerías efímeras y muchas tiendas de ediciones limitadas y raras joyas del mundo del cómic.

El espacio Manga City, punto central de la programación asiática del Festival, tenía la ambición de ofrecer a los asistentes una verdadera inmersión en la cultura popular asiática. En el corazón de un espacio lleno de referencias a las grandes ciudades de Asia, los visitantes podían descubrir los stands de editoriales y asistir a numerosos encuentros y performances gráficas en vivo, con artistas y especialistas del género que trataron diversos temas: manga alternativo, creación de un héroe de shônen, traducción de mangas, shôjo en Francia, manga y herramientas digitales.

Lugar imprescindible para las familias, el Quartier Jeunesse (barrio juventud) se ha renovado. En un espacio privilegiado de más de 1.500 m2, padres e hijos podían descubrir numerosas exposiciones y asistir a encuentros y animaciones. El Festival y sus socios también ofrecieron talleres, una gran librería, una sala de proyección y una zona de lectura destinada a los jóvenes y no tan jóvenes. Los editores de literatura juvenil no tenían hasta ahora su espacio en el Festival, que le ha sido concedido por la 50ª edición.

El Marché International des Droits (MID), mercado internacional de derechos, presentó grandes ambiciones para este año 2023.

Desde su creación, el Marché ha sido un espacio de intercambio para profesionales, pensado para iniciar y favorecer el contacto entre profesionales, multiplicando las oportunidades de fortalecer las relaciones comerciales a nivel mundial.

Este año, el festival repitió la operación "¡Shoot the Book! Angoulême", con el propósito de valorar las adaptaciones a la pantalla de cómics venidos de todo el mundo.

El MID brindó la oportunidad a muchos países de presentar su producción. Este año, Taiwán, Chile, Canadá y Brasil estuvieron en el centro de atención.

Se organizaron numerosas conferencias sobre el estado del cómic, tales como "Editar en tiempos de crisis: desafíos, alternativas y estrategias internacionales" o "Balance 2022 del mercado del cómic". De esta última conferencia, aunque el título de la presentación resumía el contenido (“Otro año excelente para el cómic (en Francia)”), podemos destacar algunos datos interesantes. En 2022, en Francia, se vendieron 85 millones de cómics, representando un total de ingresos de 921 millones de euros para el sector. En el primer lugar del top 10 de ventas de cómics, encontramos Le monde sans fin (El mundo sin fin) con 525.000 ejemplares vendidos, seguido en segundo lugar por el sexto tomo de L'Arabe du Futur (El árabe del futuro) con 296.000 ejemplares. Cabe destacar la presencia de seis mangas en este top 10, lo que confirma que el manga es el único segmento del cómic en crecimiento en 2022.

PREMIOS

Para celebrar adecuadamente su 50ª edición, el festival otorgó una avalancha de premios, entre los cuales señalamos los más destacados.

Grand Prix 2023 (Gran Premio 2023)

La comunidad de autoras y autores profesionales de cómic ha otorgado este año el Gran Premio del Festival Internacional de Cómic a Riad Sattouf.

Nacido en 1978, Riad Sattouf es autor de cómics y director de cine. Su infancia transcurre entre Libia, Siria y Bretaña. Estudia artes aplicadas en Nantes y animación cinematográfica en París, en la escuela de Gobelins.

Ha publicado, entre otros, Las pobres aventuras de Jeremías, Manual del pajillero, Pascal Brutal, La vida secreta de los jóvenes, El árabe del futuro que relata la infancia del autor en Libia y luego en Siria, y Los cuadernos de Esther que cuenta la vida cotidiana de una joven a partir de los 9 años. También es director de dos largometrajes: Les Beaux Gosses (2009), ganador del César a la Mejor Ópera Prima, y Jacky au royaume des filles (2014).

Galardonado con numerosos premios internacionales (Premio Novela Gráfica del Los Angeles Times, Premio de Excelencia del Japan Media Arts Festival, Premio Max und Moritz), y traducido a veintitrés idiomas, Riad Sattouf es uno de los pocos autores que ha ganado en dos ocasiones el Fauve d'or al Mejor Álbum en el Festival Internacional de Cómic de Angoulême, en 2010 y en 2015.

Palmarés Oficial

El Palmarés Oficial 2023 del Festival Internacional de Cómic de Angoulême estuvo compuesto por doce premios, denominados “Fauves d'Angoulême”. Este palmarés destaca obras publicadas en francés, sin importar el país de origen, distribuidas en librerías francófonas entre el 1 de diciembre de 2021 y el 30 de noviembre de 2022.

También existe una serie adicional de premios, las Selecciones Patrimonio, Fauve Polar SNCF (obra policiaca), Éco-Fauve Raja, Juventud 8-12 años, Juventud 12-16 años, Fauve de los estudiantes y Premio del Público - France Télévisions. Todo esto constituye la Competición Oficial.

También se entregaron el Premio Philippe Druillet, los Premios René Goscinny al Mejor Guion y al Joven Guionista, y el Premio Konishi a la traducción de manga japonés al francés.

¡No faltaron premios! Destacamos del palmarés oficial los siguientes:

Fauve d’or - Premio al mejor álbum: La couleur des choses de Martin Panchaud.

Fauve d’Angoulême - Premio especial del jurado (para la obra que haya marcado especialmente al jurado por su narración, su estética y la originalidad de sus elecciones): Animan, de Anouk Ricard.

Fauve des lycéens (premio de los estudiantes): Khat de Ximo Abadía. 

Este premio fue creado por el Festival en colaboración con el Ministerio de Educación Nacional y Juventud. De entre los diez títulos seleccionados por el comité general de selección, los estudiantes de secundaria votan por sus cinco cómics favoritos. Las clases participantes están representadas por un delegado para formar un jurado nacional que elige al ganador.

Éco-Fauve Raja: Sous le soleil (Todo bajo el sol) de Ana Penyas – Traducido por Benoît Mitaine.

Este premio es otorgado al mejor álbum de una selección de obras que abordan cuestiones ecológicas y de desarrollo sostenible.

Fauve de la bande dessinée alternative (para la mejor publicación no profesional, sin distinción de origen geográfico o periodicidad, entre unas treinta obras preseleccionadas): Forn de Calç coordinado por Marc Charles.

Forn de Calç ofrece la oportunidad a autores nuevos y consagrados de experimentar libremente con el lenguaje del arte secuencial. Y, sobre todo, de construir un espacio desde el activismo hasta el cómic independiente.

Fauves spéciaux 2023 (premios especiales 2023)

En esta edición aniversario, también se otorgaron premios especiales: se concedió un Fauve Especial de la 50ª edición a Hajime Isayama, el autor de la serie de culto Ataque a los Titanes.

Y los mangakas Junji Itō y Ryōichi Ikegami, autores esenciales que han revolucionado el panorama del cómic mundial, fueron galardonados con “Fauves de honor”.

El resto de premios se pueden consultar en el sitio web oficial: “Palmarès 2023 - Festival de la Bande Dessinée d'Angoulême”.

La polémica del año: el affaire Vivès

Antes de concluir esta crónica, nos ha parecido interesante recordar que el Festival decidió cancelar la exposición que se había previsto dedicar a Bastien Vivès en la ocasión de esta quincuagésima edición.

Bastien Vivès.

Recordemos: a finales de noviembre de 2022, la dirección del festival de Angulema anunció que otorgaría a este autor francés una "carta blanca" para presentar una retrospectiva de su obra en la próxima edición de 2023. Muy pronto, una fuerte polémica se desató en las redes sociales, se habló de "apología del incesto", "banalización de la pedopornografía", "cultura de la violación"... Se organizaron dos campañas de recogidas de firmas en internet solicitando la eliminación de la exposición que se había programado en el Museo del papel, una iniciada por estudiantes de arte de Angulema y otra por activistas de los derechos de los niños.

El 14 de diciembre de 2022, el festival canceló la exposición. El comunicado oficial del festival explicó: «En este breve lapso, nuevos hechos han cambiado radicalmente la naturaleza de esta situación y ahora exigen que el festival cancele esta exposición. Así, se han proferido amenazas físicas contra Bastien Vivès. Por lo tanto, no es posible para el evento considerar que su programación pueda suponer tales riesgos para un autor y, potencialmente, en unas semanas, para sus asistentes al festival».

De hecho, mientras la controversia estaba limitada a internet, el festival afirmaba su voluntad de mantener la exposición en nombre de la libertad de expresión, con el apoyo del Ministerio de Cultura francés. Pero una vez que Vivès recibió amenazas de muerte en su teléfono móvil, que sus editoriales (Casterman, Glénat) recibieron amenazas y que se profirieron intimidaciones contra un empleado del festival, los organizadores decidieron no correr ningún riesgo y cancelar la exposición.

El asunto no se detuvo allí. La controversia continuó dividiendo el mundo del cómic francés. Por un lado, aquellos que creen que Bastien Vivès no tenía derecho de estar en la programación del Festival, dada la naturaleza pornográfica de algunos de sus libros (se le acusó de apología de la pedofilia, la pederastía, el incesto y la violación) y de ciertos comentarios suyos realizados en las redes sociales. Por otro lado, están aquellos que se ofenden por la violación de la libertad de creación artística que supone la eliminación de esta exposición, aunque sea por motivos de seguridad.

Todo este asunto nos hace plantearnos varias preguntas: ¿Debemos condenar a un autor por publicar libros con contenido sexualmente explícito que no gustan a algunos?

Los melones de la ira (izquierda) y Petit Paul (derecha, no traducida al castellano), que desataron una primera polémica cuando se publicaron en Francia.

¿Debemos reducir a este autor a estos libros y olvidar que es «un superdotado de lo gráfico, un genio intuitivo tanto del dibujo puro como de la narración secuencial»? (como escribe Valentín Vañó en su artículo titulado “La pornografía recatada de Bastien Vivès” publicado en Tebeosfera).

Varias obras del autor, de muy variada temática, que han conocido un amplio éxito de crítica y público.

En cualquier caso, toda controversia es interesante e incluso necesaria, siempre que se mantenga en el ámbito del intercambio de ideas y opiniones de manera respetuosa. El enaltecimiento de la violencia debe ser siempre rechazado.

OPINION

El Festival de Angulema celebró con gran éxito su 50 aniversario este año. Se batieron récords de asistencia para participar en esta ocasión especial,, con largas colas frente a las exposiciones y espacios, como nunca se habían visto antes.

Este éxito se debe en parte a la sólida programación dedicada al manga de esta edición del festival. La presencia de reconocidos mangakas como Hajime Isayama, Junji Itō y Ryōichi Ikegami encarnó el deseo del festival de otorgar al manga un lugar a la altura del entusiasmo de los franceses por este género, como destacó el comunicado de prensa oficial del festival: «Esta excepcional delegación proveniente de Asia testimonia el continuo fortalecimiento de los lazos culturales entre Asia y el Festival de Angulema, basados en su ADN cultural original. Hajime Isayama incluso declaró: "Cuando venimos a Francia, nos consideran como artistas". Este reconocimiento de la identidad cultural del manga ha permitido al festival mirar con confianza hacia el futuro».

Otra expresión de este fortalecimiento de los lazos entre Asia y el festival fue la propuesta de inmersión en la cultura asiática con el espacio Manga City dedicado a la comunidad de fans de este género.

Sin embargo, ¿no podría interpretarse esta inclusión tardía del manga en la programación del festival como un reconocimiento “obligatorio” por parte de la élite de la bande dessinée franco-belga de la importancia de tener en cuenta lo que la nueva generación consume, es decir, la cultura asiática? Esta evolución del festival podría ser vista como un intento de acercamiento a los lectores, rompiendo con una imagen elitista que solo premiaba a artistas poco accesibles para el gran público.

En un orden de ideas similar, el gran premio de este año fue otorgado a una obra popular cuyo éxito de ventas es innegable. Esta decisión fue percibida como otro intento del festival de acercarse al gran público, reconociendo y premiando obras que son ampliamente apreciadas. Esta apertura a obras populares marca un cambio en la forma en que el festival percibe y valora la historieta, y podría contribuir a atraer a un público aún más amplio y diverso.

En conclusión, el 50 aniversario del Festival de Angulema estuvo marcado por un éxito de público indiscutible, en parte gracias a la destacada presencia del manga y la cultura asiática. Esta evolución del festival hacia una programación más accesible y popular podría interpretarse como un reconocimiento a la evolución de los gustos y expectativas de los asistentes, así como un deseo de acercarse al gran público.

Y, al fin y al cabo, ¡eso está bien!

En cualquier caso, el equipo de Tebeosfera seguirá acudiendo a su cita anual con el Festival Internacional de Cómics de Angulema. ¡Hasta el año que viene!